He de reconocer que me he sentido muy identificado con la propuesta de método de Mireia. Para ser honesto, me identifico no sólo con su método sino con su forma de aproximación a su realidad.
No planea modificar la realidad que la circunda, más bien al contrario, su objetivo es dejarse ser modificada ella misma y que su trabajo refleje esa interacción. Es una forma de ir de adelante a atrás. Capta y recoge las relaciones que surgen en su entorno, o en el entorno que quiere auditar, y esas mismas observaciones son base y motor del posterior trabajo de justificación.
Claramente, antepone las sensaciones al trabajo sesudo y planificado de hipótesis-objetivo-método-experimento-análisis-resultado. A partir de un posible resultado organiza todo el entramado intelectual que le da sustento. Dicho de otra forma, invierte la secuencia anterior en un viaje de ida y vuelta.
Otro elemento de su método que me resulta interesante es la exploración de los límites del soporte, no dando más importancia que la de mero intermediario entre lo relatado y el receptor final. La calidad del mensaje es superior a la calidad de ese sustento medial.
Los conceptos de error y belleza terminan por cerrar ese método. Por un lado, el error como elemento de desarrollo en el que tan sólo es un resultado distinto al esperado, pero no por eso menos valioso. Y la asociación de lo bello a ese error, eso que es inesperado, hasta el punto de considerar lo bello estéril sin ese error descubridor de lo nuevo y diferente.
Definitivamente me cautiva para mi propio proyecto el uso del tiempo como un agente decantador de aquella realidad registrada que la destila convirtiéndola en la esencia de lo visto. Ese efecto purificador del tiempo en el trabajo realizado me resulta muy sugerente.
Para este experimento he querido fijarme el propósito de realizar un FanZine de las flores que he encontrado en el parque. He empleado un papel de 250 de gramaje. Libre de ácidos. Esto es, que sea 100% algodón.
He doblado el papel para visualizar como se quedaría el Zine una vez terminado. Por un lado, esto me ha venido bien a la hora de aplicar la emulsión y hacer la distribución la composición de las flores. Por el contrario, trabajar de esta manera ha dificultado la fase final, cuando he tenido que secarla se me ha hecho complicado su manejo. El próximo experimento tratase de tener una plantilla para hacer la composición (este primer ejercicio me puede valer de guía) y recortaré el papel cuando la hoja se seque. Por otro lado, el Zine, mediante estas proporciones, se va a quedar pequeño para las hojas de los árboles y deberé emplear medios folios si quiero recopilarlas.
He utilizado un marco de cristal como soporte y ayudándome de unas pinzas he podido sujetar la composición de flores y del papel fotosensible.
Cuando he aplicado la emulsión ha adquirido un color verde muy claro, pero al instante de poner el soporte al sol y comenzar a temporalizar la exposición ha empezado a cambiar a tonos de verde más oscuros. He observado que hay partes que no son homogéneas y supongo que se debe, por un lado, ha no haber secado el papel completamente, y por el otro, haber excedido la capacidad de absorción del papel al aplicarlo. He podido apreciar que la emulsión es muy acuosa y con poco material se puede cubrir gran cantidad de papel.
Recien expuesta 5 minutos
10 minutos 15 minutos
Tras cinco minutos de exposición el color ha cambiado y ha comenzado a virar a colores azulados en algunas de las partes. En los siguientes cinco minutos sigue habiendo zonas en color verdoso por exceso de emulsión. A los quince minutos no aprecio variaciones significativas y tras veinte minutos decido detener la exposición.
En el proceso del secado me he encontrado con algo que no esperaba. Las gotas de agua han creado una especie de manchas en la superficie. Supongo que se deba al proceso de fijar, que no ha retirado completamente el producto y las gotas que se han condensado han seguido con el proceso fotosensible. El resultado no ha sido el que había imaginado, conjeturé que el azul resultante fuera homogéneo, lo espontáneo de las gotas y su color grisáceo le dan un estilo antiguo que no habría conseguido si hubiera obtenido un color homogéneo.
La entrevista que realiza Grid Spinoza a Mireia Sallarès (Barcelona, 1973) nos encontramos con una artista que le apasiona la humanidad, donde su trabajo se sitúa en las artes visuales. Ella nos narra que divide su investigación en dos etapas. En la primera opta por la espontaneidad de las entrevistas; de generar material. En la segunda realiza una mirada reflexiva de lo que ha elaborado. Definiendo así su manera de trabajar como: “yo primero hago y después entiendo lo que he hecho”, la manera de pensar sus hipótesis y de reposar el trabajo le dirigen al enfoque que concreta finalmente.
No encontraremos a Mireia en una biblioteca recopilando información, pero sí que veremos de ella una persona trabajadora. Dicho trabajo es pulido después, cuando el material es amplio y puede realizar, a sí misma, todo tipo de preguntas que acoten y direccionen su labor. Una manera de enlazar lo creado con otro tipo de disciplinas y saberes que correspondan a otros ámbitos si fuera necesario.
La entrevistada tiene un concepto muy trabajado de lo que se define como trabajo en colectivo. Y si bien, ella presenta sus proyectos en autoría personal exclusiva, no deslegitima el trabajo colectivo que implica cualquier labor por pequeña que sea. Lo constata muy abiertamente cuando responde al entrevistador: “nadie trabaja solo hoy en día”. Por otro lado, El error también está presente cuando por ejemplo sus trabajos no han salido como ella había pensado. A su modo de ver, aceptarlo y observar lo que deviene de él es una vía de aprendizaje.
Dora García
La siguiente entrevistada, Dora García (Valladolid, 1965), desarrolla su labor en el trabajo previo, en tejer una red de conocimientos, que implica largos periodos de investigación con la misma idea. De manera que la parte técnica del proceso la relega a un equipo profesional de confianza. Los comienzos de sus investigaciones le llevan recopilar información e incluso a aprender nuevos idiomas extendiendo los proyectos largos periodos.
Dora tiene una percepción del error que apenas tiene cabida en su práctica. Las circunstancias que se dan en el desarrollo son lo que impera. Ser resolutiva con ellas es lo que posibilitara la práctica. Esta manera de ver las hipótesis propias no como un error de por sí. Para ella no hay “una manera de pensar en no estar equivocado”. Por ello, en su práctica trata las circunstancias que no son como ella pensaba como un nuevo camino para experimentar otra forma de realizarlo.
La vida de esta artista la ha dirigido a tener un cúmulo de saberes que se han ido fortaleciéndose desde todo el bagaje de sus anteriores estudios, cuando no tenía grandes conocimientos. El material con el que trabaja es lo que la investigación arroja de ella. Sus treinta años de proyectos no serían posibles si no estaría realizando, verdaderamente, lo que le sale de dentro.
Oron Catts
El último entrevistado es OronCatts (Australia) director del departamento de simbiótica del centro biológico de la universidad oeste de Australia. Este centro cuenta con residencias para los artistas que trabajan en investigaciones en común con los científicos y los instrumentos de laboratorio que ofrece el centro.
Muchas de las prácticas artísticas están orientadas a trabajar su forma expresiva a través de moléculas, bacterias, virus y hongos. Esta hibridación entre artista y científico ayuda a crear consciencia entre la comunidad científica del valor y el impacto social que genera su trabajo. Para esta residencia la evaluación de los proyectos a desarrollar se estipula como la de los científicos: mediante la evaluación por pares. Siendo esta la metodología del centro los artistas que acceden a las residencias y se les evalúa en cuánto conocimiento han adquirido, cuánto se ha experimentado y cuánto se ha tratado de hacer, sin buscar precipitadamente cualquier resultado. Lo importante, subraya, es que los y las artistas nutras sus futuras prácticas con una experiencia que no sería posible fuera del laboratorio.
Dentro de esta esfera de los laboratorios se crea una exigencia de fracasar. O el fracaso metodológico. El arte no es un esclarecedor de las soluciones para nuestra cotidianidad, por tanto, tener licencia para el trabajo y beber de esas experiencias es importante concepto a implementar en la práctica artística.
En algún momento del transcurso de la asignatura me he sentido con la necesidad de mostrar todo aquello que almaceno en mi retentiva y que forma parte del proyecto sin aparecer de forma explicita. Al fin y al cabo son decisiones que descartas por que las respuestas generadas te derivan a otros términos.
La forma de documentar mi proceso son mediante las lecturas, las vivencias, los paseos, las fotografías, el proceso de fabricación y la toma de decisiones para generar un elemento discursivo potente mediante el cual ordene mi poética y lo que quiero trasmitir con ella.
Empezamos con las lecturas. Confieso no ser un devorador de libros, porque me gusta mas estar con mi familia, hablar con mis amigos, tomarme un vino y estar con la gente que quiero, para obtener testimonios accesible mediante los cuales pueda trasmitir lo que deseo. Pero hace poco topé con el libro de una amiga mediante el cual narra la historia de su familia con un lenguaje muy enérgico y que me ayuda a interpretar mis orígenes desde otra perspectiva.
Ana Iris Simon, Feria. Circulo de tiza, Madrid, 2020.
Le sucede algo que me ocurrió a mi y es que cuando un manchego habla de su tierra y de sus raíces siempre enseña algo nuevo al receptor. Me pasó en parte de mi educación artística cuando hablaba del objeto y del cuerpo. Realicé varias obras de relatos personales y cotidianos, que sorprendieron de gran manera sugiriendo un lenguaje inédito para mí. Que es un poco lo que me está pasando ahora.
Las vivencias. Es aquello que vives. Que en mi situación enmarcan la obra, la limitan a nivel metodológico. Quero decir que voy hablar de ningún episodio que tenga una conexión directa con algo que he vivido. Mi proceso creativo sobrevive de la memoria. Y tengo grandes historias y referentes familiares pero que si no he sentido esas esencias, me cuesta representarlas.
Los paseos. Soy un gran caminante. Creo ejercitar los dos hemisferios del cerebro cuando camina si un fin previsto. Que encuentro en el camino un lugar, como decía JOHN BRINCKERHOFF JACKSON, «Las carreteras ya no conducen simplemente a lugares, son lugares«. A partir de éste simple acto se han desarrollado las mas importantes relaciones que el hombre ha establecido con el territorio. Andar, orientarse, perderse, errabundear, sumergirse, vagar, adentrase, ir hacia delante.
Algunas fotos de mis caminos
Las fotografías. Tampoco soy buen fotógrafo pero el hecho de tener un teléfono móvil con cámara de fotos incorporada permite retratar de cualquier manera todo lo que me llama la intención. Por eso de éste proceso he tomado fotografías de mis paseos con elementos que forman parte del proceso. Lo veréis a continuación.
El proceso de fabricación que estoy abordando se basa en neutralizar un objeto cotidiano. Despojarle de su carga simbólica, para obtener solo el objeto, analizar su procedencia y usos. Lo he reproducido. Se trata de bolsas de tela cosidas a mano por mi.
Son las bolsas que invaden los barrios alternativos de las capitales, las tote bags. Forman parte de una identidad, llevar una bolsa con publicidad de una escuela de arte, en mi caso te identificaba con ella, o de un festival, te identificaba con la música que te gusta.
Tote Bag de la escuela Massana de Barcelona
Pero su origen vienen de los zurrones que utilizaban los trabajadores del campo para llevar su almuerzo, bolsas de tela basta que portaban con algo de tocino, pan y unas frutas. A mi me trasladan a los orígenes, a la tierra de donde provengo.
Zurrón de mi familia utilizado en ámbito agrícola
He paseado con ellas y las preguntas que me han surgido forman parte del proceso creativo.
El contenido lo estoy tratando a través de la cerámica, que es otro de mis campos de trabajo, al principio las quería llenar de piedras seleccionadas en mis paseos, pero el espolio no esta previsto en mi proceso y el significado sería otro diverso al que quiero conseguir.
En estos momentos me encuentro anclado en la realización de objetos cerámicos que evoquen piedras rojas, lo folclorico y que tengan la medida de mi mano. He cogido barro rojo y los he modelado con la cavidad de mis manos, plasmando el negativo de las líneas de los nudillos. También he realizado unas vasijas en el torno cerámico a tamaño reducido que pueden ser parte del contenido de las bolsas. Estoy esperando los tiempos del horno compartido de cerámica, que en las próximas semanas darán su fruto.
Aquí me encuentro esperando que parte de las propuestas de esta asignatura me contesten a las preguntas procesuales que me rondan la cabeza. Espero les guste y en caso de sugerir algún tipo de referente o artista, ponerlo en comentarios.
DANIEL MONTERO
Artículo «Un objeto que es una cosa que es una obra». Utopía revista de crítica cultural Abril-Junio 2019.
ROSA OLIVARES
Artículo «La capacidad ilimitada de las pequeñas cosas». Utopía revista de crítica cultural Abril-Junio 2019.
Empecé a buscar referentes que tuvieran relación con mi idea principal, y observando libros vi una obra de Olga de Amaral “Alquimia 50”. que me recordaba a pelos colgados (pero que eran hilos con yeso) y eso me hizo pensar en como estos pelos viven con nosotr@s mism@s y como viven con los espacios que nos rodean y fui reflexionando sobre esta idea sencilla y básica. Al hacer esto se me desmontó toda la semilla que tenia pensada, pero bien, si pongo a relacionar todo entre sí tiene un sentido.
Así que investigué diferentes referentes tanto visuales como conceptuales sin que tuvieran una conexión directa, sino que pudieran recordarme a las ideas principales que tenía, y así verlo todo con un poco más de perspectiva.
–REFERENTES CONCEPTUALES:
TRACEY ROSE:
En sus obras utiliza su cuerpo para adentrarse en la identidad y en los estereotipos, indagando en la cultura africana y su colonización. En algunas performances han consistido en depilarse todo el cuerpo y grabarlo con cámaras de vigilancia o trenzar su pelo de forma que recuerda el trabajo manual. Para Rose el pelo y el cuerpo es muy importante en su obra ya que es un indicador del género y de la raza. Tracey Rose «Span II». Acción. Segunda Bienal de Johannesburgo.1997
Olga de Amaral:
Sus trabajos incluyen artesanía, arte y diseño. La artista desarrolla un lenguaje propio en un formato de escultura rítmica, en el que utiliza técnicas nuevas para su vanguardia como mezclar acrílico y yeso al hilo, así hace reflexionar sobre como se da por hecho que el pigmento se aplique sobre el lienzo.
“Alquimia 50” forma parte de una serie y está revestida de pan de oro, símbolo del conocimiento y objetivo de la transformación alquímica, presentado a escala humana. Ref: OA0489, 165×150 cm, lino, geso y hoja de oro. Olga de Amaral “Alquimia 50” 1987, lienzo, yeso, pan de oro, pintura acrílica, 165 x 150 cm, Tate, Londres, Reino Unido.
Carla Accardi:
Accarci empezó jugando con la gestualidad de la pintura y la abstracción geométrica. Más tarde introdució signos pseudocaligráficos en imágenes abstractas, y fue cambiando de soportes.
La instalación “Triplice tenda” forma parte de una serie que trata sobre tiendas de campaña pintadas con rosa pálido, en los cuales utiliza Sicofoil (plástico transparente) para crear instalaciones íntimas que muestran la tensión entre nomadismo, el sedentarismo y la domesticidad. Su interés por los materiales cotidianos sencillos y una estética rudimentaria, influenció a los artistas del arte povera. Defensora de los movimientos de liberación de la mujer, fundó con la crítica Carla Lonzi el colectivo feminista y editorial Rivolta femminile. Carla Accardi “Triplice tenda” 1969-1971, barniz sobre Sicofoil montado sobre plexiglás, 255 x 438 x 438 cm, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París, Francia.
ANNIKA LARSSON:
Artista nacida en Estocolmo, Suecia. Trabaja haciendo películas, video, performances e instalaciones. Tiene una gran influencia del cine Voyeurista y esto se percibe en las características de su obra.
Realiza una obra abstracta en la que hace reflexionar sobre el mundo que nos rodea. Es muy importante la relación entre deseo y poder en cualquier ámbito social, político, etc,. Para Larsson todo está basado en el deseo la seducción y la psicología humana. Utiliza a sus personajes como si fueran objetos o materiales de la vida cotidiana. Libera los personajes de ser conscientes de sí mismos, abriendo un abanico de posibilidades en el que puede ocurrir cualquier cosa, prevaleciendo la reacción del espectador antes que la reflexión.
El sonido es bastante interesante ya que juega con el sonido y la ausencia del mismo. En relación al tiempo es muy importante, porque la gran mayoría de veces no está ligado al tiempo real, es decir que las imágenes se quedan semi-congeladas y esto hace que se espere una acción. Para dar estos resultados utiliza primeros planos y de este modo disuelve los espacios.
http://www.annikalarsson.com/
FINA MIRALLES:
Artista catalana que trabaja desde los 70 hasta la actualidad. La obra de Fina Miralles se relaciona con el arte conceptual, el land art, el ecologismo, el feminismo y lo político. Suele utilizar su cuerpo para hacer acciones, alguna de ellas cotidianas que tiene relaciones con los materiales, en las que se envuelve con la naturaleza.
Su obra evoca al ser humano formar parte de la naturaleza. En los que los materiales naturales tienen lo primitivo de los seres vivos y se conecta con el espacio en el que vivimos. Cambia de contexto los materiales utilizado por ejemplo hierbas que flotan en el mar.
Para ella el arte y la vida va ligado, es una mujer que viene de la tierra y le rodea lo natural, lo rural en lo que guarda una relación. Habla de ella misma, de su propia vida y de como nos posicionamos como ser humano en nuestro entorno jugando con la naturaleza y el presente como tal. Imagen 113Fina Miralles, Translaciones. Hierba flotando en el mar. Premià de Mar 1973/2020, fotografia. Colección MACBA. Donación artista ‘Mirar el sol’, de Fina Miralles. Serie Relacions, «Relacions del cos amb elements naturals en accions quotidianes», Sabadell, 1975. Foto: Carlos Raurich.
REFERENTES VISUALES: Cabosanroque «Dimonis» instalación en el Festival Greg de Barcelona, 2020
Cabosanroque «Dimonis» instalación en el Festival Greg de Barcelona, 2020Captura de pantall de instagram
He realizado un mapa conceptual más extenso que el anterior con finalidad de ordenar ideas y visualizar lo que más me interesa, lo que me influye y así ver como interactúan situaciones, cosas y conceptos. De este modo relacionar los referentes con los elementos del mapa.
Es una red creada desde una perspectiva del mundo físico, todas estas cosa que nos envuelven, es la observación, la simplicidad de la cotidianidad y la importancia del cuerpo y de la identidad de la persona. En la que no incluye de una manera directa el mundo espiritual (en la constelación).
El sonido y el ruido están presentes y se encuentran representados en cuadrados de color amarillo y en medio una palabra, como por ejemplo el grifo. Con el sonido que hace un grifo al abrirse, se escucha el agua caer, está interconectado con los momentos de limpieza, de necesidad e otros. Es un sonido muy recurrido durante el día (y más ahora que ha aumentado el nivel de higiene personal, por el covid). A parte es un gran elemento que necesita el cuerpo humano. Recordando este objeto como el grifo, a las fotografías de acciones cotidianas de Fina Miralles. Otro ejemplo es el vehículo, hace referencia al ruido de los coches, motos, tractores, camiones, que escucho cuando estoy estudiando, cuando trabajo en el estudio, etc. El ruido del vehículo forma parte tanto de la cotidianidad como del contexto cultural coetáneo. De igual forma pasa con el sonido del teléfono móvil, el cual está en constante contacto con el entorno social, las redes sociales y va ligado estrechamente con el ser humano actual. Poniendo en el foco el material, el objeto y así justificar que los objetos hablan por si solos y son claro reflejo en la sociedad en la que vivimos (Rosa olivares).
Daniel Montero habla sobre estas cuestiones, citando la igualdad que establece entre objeto y espacio, y en como estas relaciones son posibles, en la misma forma que pone en cuestión o respuesta sobre que es un objeto o una cosa y así da a pensar en las condiciones de estos objetos, materiales. Los cuales tienen mucha relación con los materiales de la vida humana.
Annika Larsson utiliza estos elementos que conocemos, que vemos día a día. Juega con el sonido y la ausencia del mismo. Y forma un discurso con el deseo y el poder de los seres humanos, representado por personajes como si fuera el material como objetos inanimados. Centrando y poniendo tensión en lo que esta apunto de suceder. Es como si sus vídeos estuvieran en una constante transformación, en el que esta deriva es completamente abstracta y casi estática, de este modo influye en los componentes de la constelación y de la semilla en general.
En realidad todo está interrelacionado, creando una red en la que se enlazan situaciones que engloban lo que podría pasar en una casa, en el lugar de residencia genéricamente. Visualiza lo habitual, las observaciones de los días comunes y las relaciones que se establecen entre sí.
Todo gira en el entorno del hogar, en el que se conecta con lo frecuente, la identidad, el nomadismo y los materiales. En los cuales están en un contexto cotidiano. Una clara referencia es la artista Carla Accardi que reúne estos conceptos aplicándolo al espacio/lugar y dispone de unos intereses por los materiales sencillos y cotidianos representándolo en una estética rudimentaria.
Tracy Rose conecta la identidad con el cuerpo, el género, los estereotipos y la cultura que le envuelve. En la gran mayoría de sus obras utiliza el pelo como indicador de género y raza. En el que coge el elemento del pelo y lo transforma en una cosa, un objeto.
La constelación propone como el individuo moderno interacciona con el espacio, los objetos, los materiales, las situaciones y los hace suyos, los interioriza.
Esta sería la idea de constelación sobre este proyecto, en la que los conceptos que conformarán la obra forman la silueta del objeto protagonista, la Venus de Willendorf. Aparte de esta silueta también he añadido un poco de fuego por los lados simbolizando la degradación que puede sufrir la obra, que es uno de los temas principales de este trabajo.
La idea que tengo ahora mismo sobre el trabajo terminado serían una serie de videos en los que se vería cómo una figura de esta famosa Venus se derrite, perdiendo su forma y terminando por desvanecerse, y otros videos en los que irían pasando cosas diferentes, en uno se quedaría deshecha, en otro se deformaría y se quedaría a medias, en otro estaría totalmente desfigurada y en otro, algo más lento iría recomponiéndose a cámara lenta hasta recuperar la forma original.
El fuego en el fondo de la constelación también representa ese calor que deforma de una forma más literal la forma de la figura en la obra.
En esta PEC quiero poner en dialogo la vida actual, con todos sus estímulos y la vida del pasado remoto, de la que, aunque cada vez podemos saber más, aún hay grandes vacíos de desconocimiento e incógnitas. Algo como una Venus tallada, llama mucho la atención y nos puede invitar a pensar en cómo vivían las personas del tiempo en que fue creada. Pensando en cómo vivimos hoy podríamos imaginar multitudes de significados, pero si no lo hacemos con cautela podemos caer en malinterpretaciones, y no llegar a entender adecuadamente algo tan simbólico comoesto, podría alejarnos mucho de conocer la realidad en la que vivían nuestros ancestros. En este caso podría tratarse de una estatua votiva o podría tratare se una diosa, o de un retrato de alguien. Si es una figura votiva formaría parte de un ritual que pediría algo a algún tipo de divinidad, si se tratase de la figura de una diosa veríamos cómo toma forma la adoración a este personaje y si fuera el retrato de una persona podría significar un millar de cosas más. La decisión de tomar como principal cualquiera de estas hipótesis nos llevaría a asumir un tipo de cultura o de tradiciones que podrían alejarse mucho de lo que se pudiera teorizar si se siguiese cualquiera de las otras premisas.
En definitiva, aquí lo que quiero expresar es las múltiples opciones que esto nos hace barajar y la importancia del contexto en cualquier situación de la vida, además del peligro que puede acarrear la malinterpretación o la tergiversación del material para cumplir determinados propósitos.
Aquí os dejo mi constelación definitiva; después de varias vueltas, decidí hacer una ilustración que reflejara los aprendizajes de mis referentes y el alma del proyecto que ya empieza a asomar.
Hice un cuadro con acuarelas y grafito de 65 cm * 50cm que aquí os comparto; está hecho sobre una lámina de 160gr, por eso se ve un poco doblado y es que, inicialmente no iba estar pintado sino pensaba hacerlo a rotring; pero, el dibujo me pidió otra cosa…
En principio iba a trabajar sobre la propia ilustración incluyéndole los textos, pero me gustó y no quería incluirle texto así que extraje la imagen para hacer la constelación definitiva y darle un aire más apropiado para el fin.
Bueno… tiene algunos errores de edición, pero es que me sorprendió a mi misma la ilustración y claro, no contaba con que mi programa de edición es una basurilla que no va muy bien.
Tracey Rose «Span II». Acción. Segunda Bienal de Johannesburgo.1997
Carla Accardi “Triplice tenda” 1969-1971, barniz sobre Sicofoil montado sobre plexiglás, 255 x 438 x 438 cm, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París, Francia.
‘Mirar el sol’, de Fina Miralles. Serie Relacions, «Relacions del cos amb elements naturals en accions quotidianes», Sabadell, 1975. Foto: Carlos Raurich.
Constelación 1
Constelación 2
Consetelación 3
Constelación 4
