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Ficha técnica.

• Autor: Manuel Martínez Álvarez.
• Título: Des- composición.
• Fecha creación: junio 2021
• Técnicas y soporte: Cera derretida registrada en video.
• Duración: 1:07 minutos.

Descripción.

Esta obra trata de darle importancia al estudio del contexto de obras artísticas realizadas en una cultura o entorno diferente al que podemos estar acostumbrados. Mediante la descomposición y posterior reconstrucción de figuras de la famosa Venus de Willendorf se explora la complejidad y el gran abanico de interpretaciones de algo desconocido o lejano y cómo puede cambiar el mensaje dependiendo de la mirada de quien lo contempla.

Si la información no se interpreta correctamente puede llegar a perderse gran parte del valor de obras de épocas pasadas. Tan importante como apreciar el buen trabajo de investigadores es detectar y rechazar la información tergiversada con fines propagandísticos de una u otra ideología que utilizan referentes conocidos para ilustrar sus discursos.

Propuesta de exposición.

El mensaje de esta obra es algo muy directo, y desde un momento muy temprano la elección de dónde exponerse fue clara, la sala de recepción o entrada del museo arqueológico de Asturias. Esta obra necesita muy poco espacio y no requiere de grandes complicaciones en su instalación, simplemente una pantalla en la que poder visionar el video y unas peanas con una altura de no más de un metro para poder ver en persona el resultado del deterioro y reconstrucción. Sería recomendable también la inclusión de un pequeño panel que explicase brevemente la intención de la obra.

El motivo principal de exponer este proyecto en un museo arqueológico, aparte de la clara relación del referente usado en la obra con la temática del museo, es la puesta en valor del trabajo de los expertos en los campos relacionados con la arqueología que hacen llegar los conocimientos sobre nuestra historia a un público muy amplio y en ocasiones alejado o desvinculado de esta temática. De esta manera intentaría conseguir que las personas que contemplen el video y lean su significado se den cuenta de la importancia del trabajo de todos estos profesionales para la correcta interpretación de las pistas de nuestro pasado.

La instalación consistiría en una pantalla que mostrase el proceso en que se derriten las figuras y se reconstruyen, cinco peanas con las figuras resultantes del proceso y un panel con la siguiente explicación:

Esta obra trata de darle importancia al estudio del contexto de obras artísticas realizadas en una cultura o entorno diferente al que podemos estar acostumbrados. Mediante la descomposición y posterior reconstrucción de figuras de la famosa Venus de Willendorf se explora la complejidad y el gran abanico de interpretaciones de algo desconocido o lejano y cómo puede cambiar el mensaje dependiendo de la mirada de quien lo contempla.

Si la información no se interpreta correctamente puede llegarse a perder gran parte del valor de obras de épocas pasadas. Tan importante como apreciar el buen trabajo de investigadores es detectar y rechazar la información tergiversada con fines propagandísticos de una u otra ideología que utilizan referentes conocidos para ilustrar sus discursos.

La duración de la exposición en este caso concreto podría ser indefinida y adaptarse a las necesidades del museo. La temática no se refiere a ningún caso concreto de manera que no es caduca y se puede aplicar a muchos temas en cualquier momento.

https://issuu.com/albfertor/docs/revista3

Espero que os guste. Sabía que me iba a topar con un material al que, por sus características, lo iba a poder presentar de formas diferentes. He desarrollado una presentación en forma de magazine y le he añadido un par de textos que, a mi parecer, ambientan el tema que he desarrollado.

La presentación difiere mucho de la forma orgánica. El tomo descansa ahora a la espera de una encuadernación casera. Como las hojas han quedado con el anverso en blanco lo voy a emplear para llevar un diario de viaje para el viaje de verano que tengo programado a Barcelona.

Me dispongo a participar en el festival EXP21! Donde profundizaré en la técnica de la cianotipia y la antotipia.

Aquí os presento la versión final del corto de 9´:45″  «Reloj de alas negras»

1.- Ficha técnica

Autor: Miguel Ramos Oya.
Título: «Reloj de Alas Negras»
Fecha: Mayo 2021
Técnica y soporte: Video. MPEG4

Texto de acompañamiento y descripción:

“Meditación alegórica sobre la disrupción que supone la vida propia,  como lapso extraño y finito entre los espacios-tiempos infinitos del no ser  y el haber sido»

2.- Propuesta de exposición

La gran versatilidad del soporte permite la reproducción síncrona y asíncrona del mismo, cosa que refuerza la idea de base del proyecto. Algo que es pero que no será, que está pero no estará.

La propuesta de exposición síncrona inicial pasaría por utilizar para su proyección edificios emblemáticos para la humanidad que hayan querido dar sentido a la vida o a la muerte con las connotaciones filosóficas o religiosas implícitas en esa búsqueda. Así, las construcciones  a proyectar serían : La pirámide de Keops en Guiza, la cúpula interior de El Panteón de Agripa en Roma y La pirámide de Chichén Itzá en Yucatán.

Para la realización se necesitará un equipo de proyección digital con generadores eléctricos y un equipo de sonido de gran potencia. La noche de luna nueva será el momento ideal para proyectar sobre la piedra y la duración del evento se ceñirá a los casi diez minutos que dura el video.

En reproducción asíncrona la propuesta expositiva para una sala haciendo uso de las redes sociales y las TIC´s  sería la de mostrar un código QR sobre vinilo en la pared, con el título, para la descarga desde Youtube.

Es un proyecto que trata la identidad de la mujer, la cotidianidad y el nomadismo personal. Para esto quiero representarlo en una performance, en la que aparece un vídeo proyectado, una instalación y materiales personales como el pelo.

La performance consiste en hacer una acción con un vestido de cuchillas, estas cuchillas me las están enviando personas, la mayoría mujeres o personas de diferente género, que he contactado y cuestionado, por la red de Instagram. Así crear una red de estas cotidianidades en relación a la mujer.

En el vídeo proyectado aparecen imágenes cotidianas, en relación a los momentos íntimos, tanto de creación como de cuidados, en verso a momentos sociales.

El pelo lo utilizo como símbolo identitario.

Es importante el proceso de experimentación en los que he llegado a resolver visualmente lo que no funcionaba. Así que aquí dejo los bocetos cronológicos por los que he pasado.

Esbozos: grabado con ácido, con placas de cobre de 16 x 12 cm. Papel de diferentes colores.

Respuestas de las peticiones en Instagram:

Bocetos como materializar las ideas:



Bocetos estructuras del hogar.

Pruebas de los materiales de las «castitas»:

Decisión final de como expresarme y boceto escenografia:

Materialmente en este momento cuidando los detalles más mínimos de los objetos que aparecen en la performance, los cuales son necesarios para acabar de dar el significado que quiero expresar.

En base al proceso estoy esperando las cuchillas usadas que me están enviando la mayoría mujeres que conozco. Así podré hacerme el vestido y materializar el trabajo. También estoy haciendo las pruebas de las “casitas” (para simbolizar el hogar) que formaran parte de la performance. Para esto estoy utilizando el método de vaciado, haciendo formas pequeñas como pruebas con arcilla en las que las envuelvo con vendas de gesso (símbolo de curar, tapar el dolor para repararlo) en las que estas se ponen duras y luego vacío la arcilla de dentro (así las piezas pesan pocas y puedo jugar con el vacío y el lleno y si quiero introducirle algo dentro de estas estructuras.

Me surgen unas preguntas; y es que alomejor poner estas estructuras de gesso en formato grande como las paredes y el techo y yo en medio para formar ese hogar y que todo pase allí dentro, es más interesante que ponerlo en un formato reducido ?

Todo da comienzo con la revisión de un espacio que habitualmente ocupamos y demasiadas veces la fuerza de la costumbre y la cohabitación prolongada hace que perdamos las referencias de los objetos que coexisten en ese ecosistema físico y psíquico. Las habitaciones o los talleres son como pequeños universos dotados de historia y olvidos.

Y, de repente, nos damos cuenta de que en ese espacio habitan objetos que encierran historias, verdades o mentiras acerca de nosotros mismos. Objetos que nos recuerdan su existencia y nos preguntan por su significado. Muchas veces tardamos en encontrar el porqué de su ser o de su estar, puede que nunca lo encontremos. Dejarnos llevar con ojos de recién llegado nos abre caminos para reencontrar el verdadero significado de su presencia e intentar descifrarlos sin código previo desde una perspectiva distinta.

Así, reencuentro un viejo reloj que dejó hace tiempo de funcionar. Con los números colocados al revés y en el que sus manecillas giraban en sentido contrario al habitual. Reloj al que, en su día, instalé unas alas negras; ahora no me preguntéis el por qué. ¿Estética, premonición, intuición?

En este descubrimiento empiezo a cuestionarme la razón de su existencia, de su proximidad y de su significado. Es a partir de este momento cuando encaja todo. Este reloj me plantea el dilema del tiempo, pero no de cualquier tiempo, de mi tiempo. Mi existencia, y la de todos, es un lapso entre dos espacios infinitos de los que no tenemos referencia. El antes de ser y el después de ser. La vida es una anomalía entre dos momentos, el previo al ser y el posterior a haber sido. Es aquí donde busco referencias al tiempo tanto en la física como en el arte o en la filosofía.

A partir de aquí empieza el análisis de los distintos medios para desarrollar esta idea y darle una forma que encapsule el mensaje y sirva de presentación de este interrogante. De alguna forma este objeto ha disparado una duda y me obliga a plantearla a los demás. La idea inicial es usar del video como soporte. No es el medio en el que más soltura tengo pero es el que canaliza el fluir y me permite usar el sonido para crear la atmosfera que busco.

empiezo las pruebas con distintos elementos de fondo y efectos de sonido. Al final decido que la banda sonora que utilizaré será una pieza dodecafónica de Schönberg por la analogía con los 12 meses del año y la pieza en concreto, un poema de «Pierrot Lunaire» titulado  «Nicht» por la alusión a la noche.

Introducción

Por medio de esta presentación pretendo hacer visible el proceso que me ha llevado hasta el momento en el que me encuentro. Haré un repaso a los diferentes recursos que hemos tratado durante la asignatura añadiendo los bocetos e ideas que he ido trabajando en el diario del artista. Además, añadiré uno de los procesos que he documentado para esta práctica y adelantaré el estado en el que se encuentra el proyecto a presentar.

Proceso

Semilla: Al comienzo de la asignatura no tenía muy claro lo que quería trabajar. En el ejercicio propuesto comenté los proyectos en los que estaba trabajando de forma paralela. Estos se relacionaban con las artes visuales. Por un lado, trabajaba con una compañera para hibridar fotografía, por medio del formato analógico, y la sonoridad, por la experimentación de instrumentos musicales, denominado arte sonoro. Por otro lado, me había aventurado a experimentar con los procesos alternativos de la fotografía el verano anterior. Esto es, había hecho diferentes experimentos con la técnica de la cianotipia y la solarigrafía. Lo que me dejo un interés marcado para desarrollar posterior mente dicha técnica.

Este ejercicio no me condujo a definir ningún tema, pero me ayudo para establecer las líneas de trabajo en las que me sentía cómodo para tratar algún tema con el que me sintiera cómodo.

Símbolo: Cuando comencé con esta tarea no tenía preocupaciones por las técnicas que emplearía, ya que, todo indicaba a que acabaría siendo del ámbito visual. Por todo ello, me despojo de esa preocupación y me preocupé por expandir el ideario a lo que me interesaría trabajar.

La herramienta de la constelación me sirvió para acercarse a los intereses de los que, en cierto modo, no era consciente, pero que atravesaban por diferentes razones. Primeramente, había participado en la conservación del Parque de Lamuza mediante una plataforma vecinal. Nuestra tarea fue la de conservar los edificios como la diversidad de la flora y la fauna que se concentraban en este enclave. Segundo, los libros, las películas y los referentes artísticos de los que me suscitaban el interés por la naturaleza los listé e hice memoria para recordar que era lo que en su momento me llegaron a trasmitir.

Como podéis observar, todavía, no había concretado el tema que trataría en el proyecto final.

Hechizo: Aún no he trabajado a insitu en las partes que integraran el proyecto a presentar. Me he familiarizado con la técnica de la cianotipia, que finalmente será la técnica que le dé un peso artístico al proyecto. Quiero decir, solamente me he preocupado por realizar los suficientes experimentos para poder comprobar la consistencia de la técnica.

Mucho del trabajo ha recaído en el diario del artista. A la fecha del ejercicio del camino, ya había empezado a focalizar hacia donde encaminarlo. Dichas notaciones, de cómo debía formalizarlo, las fui trasladando al papel por medio de bocetos y notas aclaratorias.

Camino: Al llegar a esté ejercicio venía con muchas ideas de la trayectoria que podía tomar el proyecto. Al describir las técnicas con las que disponía y tras haber realizado una suma considerable de experimentos, concrete que la cianotipia sería la técnica elegida. He de mencionar, aquí, la importancia de visualizar el camino, tal y como se nos proponía en los ejercicios. Todo lo disperso que se había convertido el material que tenía entre manos lo pude concentrar y definir. El resultado que obtuve matizo la técnica, el tema y su soporte. Dicho de otra manera, el sino del proyecto consiste en recopilar en un FanZine o libro, los diferentes tipos de árboles del parque de Lamuza. Estará compuesto por la información referente al tipo de árbol y sus características, y una muestra de la hoja del árbol en cuestión por medio de la técnica de la cianotipia.

Momento en el que estoy

Por un lado, tengo recopilada toda la información que quiero incluir en el apartado descriptivo de la hoja contigua. La información la he recopilado de diferentes documentos. Mayormente me he apoyado en la recopilación de Javi Mateo de los árboles del parque de Lamuza, que cuenta con un catálogo muy preciso pero desactualizado. Algunos de los árboles ya no existen y el lenguaje que se utiliza se dirige a los habitantes del municipio de Llodio. Tengo la intención de actualizar el catálogo y trasformar el lenguaje empleado para obtener más alcance; que el mensaje no parezca extraño para el que no conoce el parque. De momento no he decidido como introducir el texto en las hojas. Las opciones que tengo es la de imprimir el papel antes de exponer la otra mitad con la técnica de la cianotipia o imprimir la descripción, esto es, toda la parte que contenga texto imprimirla en un acetato y realizar una exposición, de la misma manera que las hojas de los árboles.

Por otro lado, en lo que se refiere la otra parte del folio, la que implica recoger las hojas y realizar la exposición al sol mediante la técnica de la cianotipia, es la que menos he trabajado de forma directa. He realizado diferentes experimentos, pero ninguna con las hojas de los árboles. El factor climático ha condicionado que lo haya postergado para el final. Para realizar las cianotipias la incidencia de los rayos UVE juega un papel importante que se traduce en el tiempo de exposición. A mayor incidencia solar menor es el tiempo que necesita la emulsión para que se exponga correctamente. Con el avance del verano y con un factor de incidencia ascendente espero no tardar más de tres sesiones en realizar todas las pruebas necesarias. De manera que en cada sesión prepare toda la química como para unas 50 hojas que dará lugar a mucho material para trasportarlo a su soporte final.

Ideas, bocetos, dibujo y experimentos

Entrada a un experimento

Dibujo del proceso de la cianotipia

Primeros bocetos e ideas

Notas para la constelacion

Referentes e ideas

Ideas para el soporte final

Parque de Lamuza

Leopoldo Laricchia. Científico. Coordinador CMRB.

La metodología que sigue Leopoldo depende de muchos factores el poder desenvoluparse bien o no, o el poder investigar o experimentar más sobre un “error”.

Esta situación es debida a que los investigadores trabajan en base a proyectos y subvenciones. Eso influye en la manera de experimentar el proceso, ya que son los que deciden en que línea y como quieren que se reproduzca el proyecto.

Cada investigador tiene su propio “estilo” de trabajo y se mezclan muchas formas de experimentar y de desarrollar un proceso, para esto se tienen que dar unas condiciones en el espacio como el “trabajar sin presión” y poder compartir con otros/as investigadores/as los descubrimientos de la experimentación, como los/as artistas. Cada uno de ellos/as tiene la técnica, el material y el proceso el cual se adecua más a su manera de trabajar, o con lo que es su forma de expresarse. Esta variedad de forma de trabajo significa que con un mismo tema o proyecto se pueden desencadenar varios resultados y varias formas de caminar sobre el mismo.

Para Leopoldo Laricchia los resultados son el inicio de algo nuevo, aunque no salga lo que esperan, o sea erróneo (mientras no haya sido porque no funcione el experimento) también es un resultado válido porque pueden desarrollar otro proyecto a raíz de dicho “error”. Pero de la misma forma es muy importante saber parar a tiempo y ver que alomejor ese camino no lleva a ninguna parte.

El científico dice “un error es algo que a salido diferente de lo que tu has querido hacer”, por lo tanto no es un error, ya que se han descubierto grandes cosas gracias a estos errores.

En las investigaciones es muy importante la incertidumbre, ya que a veces sale algo o a veces no, no saben que es lo que va a pasar es todo muy ambiguo, ya que van experimentando a través de resultados.

Daniel G.Andujar. Artista

Para Daniel G. Andujar la práctica artística va enlazada estrechamente con la experimentación del proceso creativo y artístico. En el que allí el artista utiliza varias herramientas, ya sean las que se integran en parte de su misma forma de expresión, a otras, que busca ampliar conocimientos entre la práctica artística y todo el contexto social, político, cultural que le envuelve.

Es muy importante el estado coetáneo del “imaginario visual” actual ya que estamos avasallados/as por imágenes constantemente, como por ejemplo la televisión, la publicidad, etc. Para Andujar esto influye en la sociedad y en la manera de ver la práctica artística. Por este motivo a él le parece muy interesante visibilizar lo que hay “detrás” de la obra, ese proceso que estamos acostumbrados/as a “no ver” y así darle una vuelta a lo que es la imagen visual y a como se ve un proyecto artístico.

La metodología consta de bastantes puntos y fases tanto teóricas, como practicas y/o técnicas. No sigue una metodología lineal ya que cada proyecto es diferente, entonces cada experimentación artística crea diferentes lenguajes y le interesa unirlos.

El error en sí no existe ya que se van creando conversaciones con lo que va transformando la experimentación y hace que el proyecto pueda llevar a otro camino. Esto tiene que ver con el riesgo que también siempre está controlado porque se va transformando con el proceso.

Mireia Sallarès. Artista

El proceso creativo para Sallarès está unido con el de la investigación en la que se reparte en dos fases. En la que parte de las observaciones de la vida cotidiana, de su propia realidad, en la que guarda relación con lo que vive y como lo experimenta.

Su metodología no es lineal, sino que tiene bastantes bifurcaciones, en la que sobre todo el principio no está controlado ya que a medida que va trabajando sobre la pieza va naciendo el propio tema del proyecto. Al mismo tiempo el inicio del mismo ya crea de otros.

Experimenta con las herramientas escogidas o depende de las que elija puede llevar por un camino o por otro. Estas herramientas pueden ser el propio tema.

Le da importancia al objeto con el que se hace el proyecto y las personas que participan en él, las cuales son un factor indispensable para la formación y el procedimiento del trabajo.

El resultado puede llevar sorpresas así mismo como puede llegar a varios gremios no pensados previamente y eso es muy interesante.

“El error es necesario para el proceso de aprendizaje” Esto es necesario para el proceso, tanto artístico como personal. El error puede pasar de todo y enriquecer la pieza.

Para Mireia Sallarès el medio camino es interesante. También lo es el tiempo, ya que se ve reflejado la experimentación y el proceso del mismo proyecto.

Comentario:

Me siento bastante identificada con la manera que tiene Mireia Mirallès al trabajar sobre un proyecto, cogiendo así muestras de la realidad y fijándose en lo que le envuelve. Ella le da mucha importancia a los objetos y las personas que le envuelven en el proyecto, en los que forman parte del proceso. Y esto en el mío también lo es. Para Laricchia le gusta esta incertidumbre que aparece en el inicio de un proyecto, en la que no saben hasta el final si es lo que habían pensado o no pero esto, este error puede abrir otro camino.

Mireia Sallares

He de reconocer que me he sentido muy identificado con la propuesta de método de Mireia. Para ser honesto, me identifico no sólo con su método sino con su forma de aproximación a su realidad.

No planea modificar la realidad que la circunda, más bien al contrario, su objetivo es dejarse ser modificada ella misma y que su trabajo refleje esa interacción. Es una forma de ir de adelante a atrás. Capta y recoge las relaciones que surgen en su entorno, o en el entorno que quiere auditar, y esas mismas observaciones son base y motor del posterior trabajo de justificación.

Claramente, antepone las sensaciones al trabajo sesudo y planificado de hipótesis-objetivo-método-experimento-análisis-resultado.  A partir de un posible resultado organiza todo el entramado intelectual que le da sustento. Dicho de otra forma, invierte la secuencia anterior en un viaje de ida y vuelta.

Otro elemento de su método que me resulta interesante es la exploración de los límites del soporte, no dando más importancia que la de mero intermediario entre lo relatado y el receptor final. La calidad del mensaje es superior a la calidad de ese sustento medial.

Los conceptos de error y belleza terminan por cerrar ese método. Por un lado, el error como  elemento de desarrollo en el que tan sólo es un resultado distinto al esperado, pero no por eso menos valioso. Y la asociación de lo bello a ese error, eso que es inesperado, hasta el punto de considerar lo bello estéril sin ese error descubridor de lo nuevo y diferente.

Definitivamente me cautiva para mi propio proyecto el uso del tiempo como un agente decantador de aquella realidad registrada que la destila convirtiéndola en la esencia de lo visto. Ese efecto purificador del tiempo en el trabajo realizado me resulta muy sugerente.

Cianotipia

Para este experimento he querido fijarme el propósito de realizar un FanZine de las flores que he encontrado en el parque. He empleado un papel de 250 de gramaje. Libre de ácidos. Esto es, que sea 100% algodón.

He doblado el papel para visualizar como se quedaría el Zine una vez terminado. Por un lado, esto me ha venido bien a la hora de aplicar la emulsión y hacer la distribución la composición de las flores. Por el contrario, trabajar de esta manera ha dificultado la fase final, cuando he tenido que secarla se me ha hecho complicado su manejo. El próximo experimento tratase de tener una plantilla para hacer la composición (este primer ejercicio me puede valer de guía) y recortaré el papel cuando la hoja se seque. Por otro lado, el Zine, mediante estas proporciones, se va a quedar pequeño para las hojas de los árboles y deberé emplear medios folios si quiero recopilarlas.

He utilizado un marco de cristal como soporte y ayudándome de unas pinzas he podido sujetar la composición de flores y del papel fotosensible.

Cuando he aplicado la emulsión ha adquirido un color verde muy claro, pero al instante de poner el soporte al sol y comenzar a temporalizar la exposición ha empezado a cambiar a tonos de verde más oscuros. He observado que hay partes que no son homogéneas y supongo que se debe, por un lado, ha no haber secado el papel completamente, y por el otro, haber excedido la capacidad de absorción del papel al aplicarlo. He podido apreciar que la emulsión es muy acuosa y con poco material se puede cubrir gran cantidad de papel.

Recien expuesta                 5 minutos

10 minutos                             15 minutos

Tras cinco minutos de exposición el color ha cambiado y ha comenzado a virar a colores azulados en algunas de las partes. En los siguientes cinco minutos sigue habiendo zonas en color verdoso por exceso de emulsión. A los quince minutos no aprecio variaciones significativas y tras veinte minutos decido detener la exposición.

En el proceso del secado me he encontrado con algo que no esperaba. Las gotas de agua han creado una especie de manchas en la superficie. Supongo que se deba al proceso de fijar, que no ha retirado completamente el producto y las gotas que se han condensado han seguido con el proceso fotosensible. El resultado no ha sido el que había imaginado, conjeturé que el azul resultante fuera homogéneo, lo espontáneo de las gotas y su color grisáceo le dan un estilo antiguo que no habría conseguido si hubiera obtenido un color homogéneo.