Entrada a la fantasía

¡Hola compañer@s!

Mi semilla es una puerta, pero quiero que sea una puerta muy especial, así que mi constelación se titulará ‘’Entrada a la fantasía’’. Por ello, he tenido que viajar al pasado para entender la evolución de las puertas, ver sus componentes y los diferentes contextos en los que esta se sitúa. He llegado a la conclusión de que quiero salir de lo tradicional y crear algo totalmente novedoso, y para ello haberme informado del pasado me ha ayudado a añadir aspectos nuevos a mi boceto de la puerta que antes no hubiera colocado por mi visión de las puertas típicas que me rodean. Por eso mi puerta va a llevar elementos, egipcios (como los jeroglíficos que me parecen ideales para decorarla), árabes (empleando la geometría para crear), orientales, medievales (por los adornos de metal que emplean en las puertas), griegos (por la decoración exterior que emplean) … y por el momento quiero que presente características de cada uno de ellos, y a lo mejor con el tiempo ir añadiendo más. Estudiar la historia de las puertas me ha hecho ver que hay materiales y decoraciones que se mantienen o que han evolucionado dependiendo de cada contexto en el que estas se hallaban. Por eso el contexto en el que quiero situar mi puerta va a ser la pura fantasía, quiero olvidarme de lo terrenal y crear algo que quien lo vea diga ‘’increíble’’ pero a la vez debido al contexto en el que vivimos no lo presentaría una puerta normal. Al basarme en la fantasía tengo la libertad de poder combinar varios elementos de distintas culturas y épocas.
Mis referentes han sido el proyecto llamado ‘’L´art a les portes’’, el cual me ha hecho ver que las puertas pueden ser usadas como soportes para expresar nuestra creatividad. Así mismo la cama de Robert Rauschenberg me ha ayudado a ver el concepto del proyecto, ya que en un principio me hallaba perdida, porque no encontraba referentes con las características típicas de las puertas. Estos dos referentes me han abierto el camino para bien usar la puerta como soporte artístico o usar las paredes de alrededor para crear y ayudar a introducirla en un ambiente más de fantasía. Quiero destacar ‘’La puerta del infierno de Auguste Rodin y Camille Claudel, ya que es como quiero que florezca mi semilla. En ella podemos ver como emplea distintos elementos, decoraciones, un mismo tipo de material, que la hacen única. Además, estas decoraciones que son imágenes de un hecho la ayudan a entender que al atravesarla llegas al infierno. Pasa lo mismo con las puertas de las tumbas egipcias que indican con los jeroglíficos la historia del fallecido y como no el ritual que los egipcios usaban para llegar al lado de Ra. No me quiero olvidar de la ‘’Puerta de Ishtar’’ que es de origen mesopotámico. De esta puerta me llama la atención el material del que está hecho, así como sus adornos basados en animales y animales mitológicos, lo que me da juego a seguir bocetando un montón de puertas con diferentes características.

Dejo también los escáner de mi archivo, relaciones y el esquema que me han ayudado a formar mi constelación.
Aquí en mi archivo a la izquierda he apuntado los referentes y a la derecha toda la historia de las puertas.

En las relaciones he relacionado los materiales y los símbolos decorativos de las puertas, ya que algunos elementos eran comunes en distintos contextos y otros no.

Disculpad como esta colocada esta imagen, cuando la coloco bien para que sea legible no se muestra.

Referentes

Para este proyecto he querido trabajar con cuatro conceptos principales: el paso del tiempo, la degradación de la obra, el significado original y el posible cambio de este significado tras un tiempo transcurrido. Y con ellos quiero expresar cómo una obra anónima olvidada y redescubierta fuera de su entorno original puede recuperar su significado si se sabe mirar en ella y entenderla como parte del contexto en que fue creada o cómo puede ser malinterpretada o tergiversada en un contexto diferente.

Algunos de mis referentes que hablan de estos conceptos en sus obras son:

Clive Head (Paso del tiempo)

Javier Viver (Degradación de la obra)

Artistas anónimos de la antigüedad (Es la estética sobre la que girará parte del producto final)

 

Clive Head tiene cuadros en los que muestra escenas en las que trata de superponer diferentes momentos de la acción, haciéndolo parecer una mezcla entre el cubismo y el futurismo.

“Calder’s Ascension,” 2017

 

Javier Viver ha realizado una serie de esculturas efímeras hechas con sal con la idea de observar cómo se degradan las figuras a la intemperie.

Javier Viver, La mujer de Lot (Detalle)

La figura sobre la que esta obra girará es una réplica de la Venus de Willendorf.

Venus de Willendorf.

CONSTELACION:

He tratado de buscar una semilla que se desarrolle en el ámbito de lo visual y su experimentación y, que también, pueda desarrollarse por los diferentes procedimientos fotográficos alternativos que están en mi mano. La semilla se engloba en la vaina de arte visual. Ha germinado y ha dejado ver, bajo los parámetros en los que se desenvuelve en las técnicas que voy a emplear. Su composición está en línea a crear imágenes a través de los diferentes medios que me parecen interesantes. Esto es, por sus capacidades orgánicas o técnicas a la hora de elaborarlas. también esta muy unido a los conceptos de la naturaleza y el tiempo, en base a como cohabitamos en los espacios.

La constelación se basa en la imagen de un árbol que procura ser las posibilidades del proyecto, desarrollado de diferentes formas y tamaños. El árbol crece en un bosque frondoso donde no es fácil llegar a las copas más altas; un ecosistema comunitario y diverso. De momento, prospera a la sobra de otros árboles, que son sus semejantes, y como ellos, pretende llegar a lo más alto por medio de una gestión que riega gota a gota su crecimiento. Por otro lado, las raíces van creciendo fuertes. Sin prisa de que el valor de lo instantáneo, tan presente en nuestros tiempos, haga de él un piso inestable. La forma en la que crece es diversa, ya que, no depende de una forma rígida. No se espera de ella una perfección, sino que encuentra su encanto en el proceso, incluso en el error.

Desde el silencio aparente de las aberturas, donde nuestra mirada no se fija, nace la vida. La vida, silenciosa y solitaria, pero, en común con el principio de arraigo en el tiempo que la ocupa y, la conquista por el ideal comunitario, de la incesante lucha por aflorar entre lo arrebatado y lo que le es suyo por derecho. La naturaleza, tan presente en nuestra cotidianidad, pasa desapercibida entre las capsulas de café instantáneo, las colillas de cigarrillos y de la gente sin tiempo; de vivirla.

Henry David Thoreau menciono que el paisaje no es algo meramente natural ni cultural, objetivo o subjetivo, sino una relación que se halla entre el sujeto y el objeto, un proceso que le afecta. Fue un escritor filosófico en lo referente a la naturaleza, afirmo que “no habitábamos casas, habitamos ecosistemas”.

La película planeta libre (La belle verte) hace un acopio de la critica de la sociedad actual desde el prisma de un planeta que lo cohabitamos entre muchas especies. Poniendo el acento en lo ridículo de las formas establecidas que nos llevan a que unos tengan tan poco y otros tanto, en una huida hacia un precipicio inminente.

El parque de Noáin se un referente mundial de la sostenibilidad. Una propuesta para darle cabida a los espacios vegetales en las urbes. En él, se desarrollan actividades que tienen que ver con la consciencia de los recursos que tenemos, la huella que dejamos y nuestra transcendencia. Por todo ello, da lugar para disfrutar de un paseo y activar nuestros cinco sentidos.

Referentes:

 

 

 

 

 

 

 

«La belle verte» Coline Serreau, 1996

 

 

 

 

 

 

 

«Walden, la vida en los bosques» Henry David Thoreau, 1949

 

 

 

 

 

Parque de los sentidos de Noáin

 

Bibliografía

Naiz (2007) Noain, referente mundial en jardinería ecológica. https://gara.naiz.eus/paperezkoa/20070803/31804/es/Noain-referente-mundial-jardineria-ecologica

Eduardo Berian Luna (2013) Parque de los sentidos de noain. Vimeo https://vimeo.com/58921421

Antonio Casado da Rocha (2017) Naturaleza, ciencia y cultura en el bicentenario de Henry David Thoreau https://culturacientifica.com/2017/07/10/naturaleza-ciencia-cultura-bicentenario-henry-david-thoreau/

El planeta libre (1996) La belle verte, Coline Serreau (Pelicula) https://www.filmaffinity.com/es/film681687.html

PROYECTO I – ORIGEN II

Ahora voy a relacionar artistas que me orientan en el camino de la búsqueda, a nivel conceptual y a nivel plástico.

El trabajo de Javier Pérez  es esencialmente escultórico, definido en el tratamiento de la materia y el espacio. Sus obras se relacionan con experiencias por lo general traumáticas como tensión, inestabilidad por el cambio continuo, extrema desprotección, imposibilidad y deseo, o repulsión y dependencia, donde la materia juega un papel fundamental.
Tiene una obra que se llama Levitas que es un recorrido de bolas de vidrio soplado en las que se marcan huellas de pies. El vidrio como material tiene una conexión con el cuerpo humano desde su conformación, ya que se tiene que soplar a pulmón para convertir la materia en forma. En Levitas, la frágil sustancia de nuestro yo interior está encarnada por las esferas cristalinas. Parece estar marcando un camino único y que solo se puede realizar una vez. Cada pisada hace un lugar.

Levitas 1998 Técnica / Materiales Vidrio soplado Guggenheim Bilbao Museoa
Levitas 1998 Técnica / Materiales Vidrio soplado Guggenheim Bilbao Museoa

Por otra parte un artista que ha sabido registrar el paso del tiempo desde un punto de vista silencioso e inevitable, registrando su monotonía y haciendo de cada momento de su vida sea una obra de arte, es On Kawara.
Con bajo coste y elegancia visual, Kawara crea una compleja meditación sobre el tiempo, la existencia y la relación entre el arte y la vida.

On Kawara I Got Up, Tarjeta postal 1968-79

Considerado un trabajo personal e intimo, I GOT UP es parte de una pieza continua producida por On Kawara entre 1968 y 1979 en la que cada día el artista enviaba una postal, cada uno estampado con la hora exacta en que se levantó ese día y las direcciones tanto del remitente como del destinatario. La extensión varió desde una sola tarjeta hasta cientos enviadas consecutivamente durante un período de meses. La naturaleza repetitiva del gesto se ve contrarrestada por los movimientos del artista y sus horarios irregulares (solo en 1973 envió postales desde veintiocho ciudades). Además, las postales de Kawara no registran su despertar sino su “levantarse”, siendo una actividad mas existencial que física.

Al hacer un repaso por algunas de sus obras más conocidas nos encontramos con que toda la información que estas reúnen es ampliamente personal, compuestas en primera persona: el momento en el cual el artista comenzaba el día (I Got Up); lo que leía en la prensa diaria (I Read); dónde iba (I Went); las personas que veía (I Met). Si bien los registros son neutros o dicen muy poco en su forma, todos implican un registro cotidiano.
Un punto admirable de esta obra es su capacidad expansiva, es una manera de hacer llegar una intervención artística desde una parte del mundo y a otra.

 

Otro referente de intervención relacionada con el lugar y el tiempo son las obras realizadas en Hospital 106 4o 1a, nace en el año 1995, concebido por Isabel Banal, Ester Baulida, Jordi Canudas e Ignasi Estev. En la que el grupo de artistas desgrana la transformación sufrida por el barrio de El Raval de Barcelona durante los años 90. Destaco dos intervenciones una es la de “Bolsas de escombros”.

Se trata de la distribución de diez expositores con la edición de 2.000 ejemplares de bolsas de escombros del piso en diferentes puntos de la ciudad de Barcelona. A modo de dispensario el espectador se hacia portador de un fragmento del piso derruido. Y como referente postal “Devuelto Remitente. Se trataba del envío de una carta a la dirección calle del Hospital, 106, 4º 1ª de Barcelona. Esta carta se devolvía con el sello oficial “DEVUELTO REMITENTE”, especificando en el reverso, con la letra del cartero, el motivo de la devolución: “MARCHÓ”. Otra vez me resulta valorable el hecho de dispensar pequeñas partes de un todo y hacerlas llegar a cualquier lugar en forma de obra. 

Os invito a que miréis éste proyecto porque abarca temática muy interesante relacionada con el lugar y con el tiempo.  Isabel y Jordi fueron profesores míos y les tengo un gran aprecio.

Por otra parte las imágenes sugerentes de Félix González-Torres que ahora mismo tiene una gran retrospectiva en el MACBA. Donde sus perfectos amantes se sincronizan para dar la misma hora dos veces en el mismo lugar.

'Untitled (Perfect Lovers)', de Felix Gonzalez-Torres (1991)
‘Untitled (Perfect Lovers)’, de Felix Gonzalez-Torres 1991 MOMA

También destacar a Ramón Guillén Balmes, que con sus artefactos esenciales transforma las relaciones del cuerpo con los objetos y las necesidades de sus portadores.  Sus libretas de Model d´us recuerda al lenguaje constructivo de Da Vinci.

Ramon Guillen-Balmes, Model d’us para Alyssa Dee Krauss.

 

Destaco la neutralidad y nobleza en sus materiales normalmente tela de algodón, fieltro y madera. También tiene una obra titulada Las Boyas Libres son una serie de «naves» pensadas para que floten y puedan navegar de forma aleatoria. Las piezas contenían una placa donde se informaba que si alguien las encontraba se pusiera en contacto con el autor, con la dirección postal. El autor las dejaba ir en la costa, sin saber hacia dónde las llevaría la marea y el viento. Una vez mas el valor expansivo y la participación de un espectador pasivo a la ora de encontrar la obra y activo en el hecho que puede contribuir a su culminación.

Espero que las aportaciones de mis referentes artísticos o sirvan para inspiraros tanto como a mi.

Alejandro E. Abril 2021

PROYECTO I – ORIGEN I

Los trazos que esbozan mi proyecto se basan en primer lugar en la semántica.

Para crear vínculo con mis ideas y referentes, primero acudo a los diversos aspectos del significado, sentido o interpretaciones que tienen las palabras. Intento encontrar la palabra precisa para que su significado sea lo que quiero trasmitir. Normalmente acudo a la simbología y a la mitología clásica, sirven como referentes poéticos hacia lo que quiero trasmitir. La etimología es una herramienta muy útil en los primeros pasos de mis proyectos. Conceptualizar las ideas y materializarlas mediante palabras es la clave.

Una de mis semillas era LUGAR, para ello he buscado su significado en el diccionario e investigué. Pero claro la porción del espacio que sitúa algo es un punto de partida muy superficial para mí. Encontré un referente muy inspirador en la literatura griega y se trata de TOPOS como lugar común, como las conexiones umbilicales a tus orígenes. También como línea argumental.

El término AGNICIÓN en las novelas es el descubrimiento de un personaje en sus datos esenciales identitarios, que supone un cambio de conducta y que le obliga a hacerse una idea de sí mismo y de lo que le rodea. Es una manera de temporizar un lugar de origen en la obra.

Y otra semilla era TIEMPO. Y he descubierto la definición clásica de AION como tiempo eterno. Es un término que empleo bastante. Por que los Griegos antiguos tenia cuatro formas para catalogar al tiempo. Aion se refiere al tiempo que siempre está, que no podemos perderlo ni despojarlo. Estos términos remarcan, relacionan y facilitan el lenguaje concreto que quiero utilizar a lo largo del proyecto.

Estas relaciones me transportan a los orígenes, a mi tierra La Mancha,  horizonte enjuto al que cuesta volver. Los ORÍGENES, te puede costar más o menos tiempo en volver a ellos, pero siempre vuelves. Y como dice María Zambrano es un instante de angustia cuando hacia ellos volvemos pero los orígenes siempre están. (María Zambrano, Séneca, Madrid, Siruela, 1994 )

 

 

Fuentes:

Barrabino, I. Y Suárez, F. Diccionario de términos literarios, Alianza, Madrid, 1999.

Bruxelles, S. y de Chanay, H. Acerca de la teoría de los topoi: estado de la cuestión. Publicado en la revista del Centro de Ciencias del Lenguaje número 17 -18, 1998. Páginas 349-383.

Humbert, J. Mitología griega y romana. Gustavo Gilli, Barcelona, 2016.